Raymundo Colares

Raymundo Felicíssimo Colares (MG 1944 - MG 1986). Pintor, desenhista.
Estuda, em 1966, na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ), no Rio de Janeiro. Nessa época, torna-se amigo dos artistas Antonio Manuel e Hélio Oiticica. No ano seguinte, deixa a EBA e passa a frequentar o ateliê livre de Ivan Serpa, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). No mesmo ano, a convite de Antonio Dias, participa da exposição Nova Objetividade Brasileira, no MAM/RJ.  

A partir de 1968, passa a produzir os "gibis" - livros-objeto, nos quais explora as dobras e cores do papel, cujas folhas devem ser manuseadas pelo espectador. Apresenta, em 1969, os primeiros trabalhos tridimensionais, nos quais utiliza alumínio pintado. Para o crítico Frederico Morais, seus gibis remetem ao Livro da Criação, de Lygia Pape (1927-2004), por serem obras em processo em que as imagens se fazem ou desfazem à medida que as páginas são movimentadas. Os cortes oferecem sucessivas surpresas, revelando ao mesmo tempo um caráter lúdico. Nessas obras, Colares presta homenagem a alguns artistas, como naquela em que se baseia em telas de Mondrian (1872-1944).

 Chamas (gibi/livro-objeto)

Foi um artista que se inspirou, principalmente em pinturas e desenhos que mostravam rapidez e correria. Vivia em um bairro no Rio de Janeiro que era muito corrido, cheio de carros, movimentação, e , assim, sua criatividade surgiu e fez os quadros. Colares emprega a fragmentação da imagem, representando ônibus em vários ângulos, em enquadramento cinematográfico. O artista utiliza principalmente as cores primárias, em tons fortes. Como nota o crítico Paulo Venâncio Filho, a força das telas de Colares provém mais da sensação de impacto do que da sensação de velocidade.

Raymundo Colares reúne em suas obras tendências como o Construtivismo e a Arte Pop. Ele reconhece a relação com o Futurismo italiano na preocupação em representar o dinamismo e a velocidade da vida moderna. Utiliza o tema da interpenetração de ritmos visuais relacionados ao movimento de veículos em velocidade em uma grande cidade. Emprega tintas metálicas para representar carrocerias de ônibus, reconhecíveis pelo esquema de cores e números, usados também como marcas da sociedade industrial. Preenche totalmente as telas com esses signos, não deixando nenhuma área livre. O ser humano e a própria paisagem urbana estão ausentes de suas telas. Para alguns críticos, sua produção mantém afinidades com a obra do pintor americano Allan D'Arcangelo (1930-1998), ao aproximar geometria e organicidade e abstração e figura.

Tentativa de Ultrapassagem , s.d. 110 x 100 cm
Coleção João Sattamini/Comodante Museu de Arte Contemporânea da Prefeitura de Niterói
Reprodução fotográfica Sérgio Guerini 

Ônibus , 1968 - emulsão acrílica sobre tela -70 x 75 cm
Coleção Gilberto Chateaubriand
Reprodução fotográfica autoria desconhecida 

Ultrapassagem Pista Livre , 1968 - esmalte sintético sobre madeira - 160 x 160 cm
Coleção João Sattamini/Comodante Museu de Arte Contemporânea da Prefeitura de Niterói
Reprodução fotográfica Sérgio Guerini 

 Orgia , 1968 - esmalte sintético sobre madeira - 118 x 117 cm
Coleção João Sattamini/Comodante Museu de Arte Contemporânea da Prefeitura de Niterói
Reprodução fotográfica Sérgio Guerini 

 Ônibus , 1969 - pintura sobre metal - 83 x 228 cm
Coleção Gilberto Chateaubriand
Reprodução fotográfica autoria desconhecida 

 Sem Título , 1969 - tinta esmalte industrial sobre metal (alumínio) - 100 x 232 cm
Coleção João Sattamini/Comodante Museu de Arte Contemporânea da Prefeitura de Niterói
Reprodução fotográfica Sérgio Guerini 

 Fontes: 

Itaú Cultural - Raymundo Colares

Pitoresco - Raymundo Colares

José Medeiros - Fotografia

Biografia
José Araújo de Medeiros (Teresina PI 1921 - L'Aquila, Itália, 1990). Fotógrafo.

Da Amazônia ao Pantanal, José Medeiros, sempre mostrou preocupação com as manifestações culturais do homem interagindo com a natureza. Natural de Campo Grande – MS, desde os 16 anos se dedica ao registro de imagens, com formação em fotojornalismo. Publicou nos principais jornais e revistas nacionais e internacionais. Participou de mostras coletivas, individuais, prêmios e salões. José é um dos fotojornalistas mais bem sucedidos em MT, e referência estadual e nacional quando o assunto é fotografia, com o seu olhar diferenciado sempre em busca da perfeição.

 José Medeiros - Fotógrafo 

UM OLHAR SOBRE AS CULTURAS INDÍGENAS BRASILEIRAS
Medeiros se notabilizou pelo registro de várias facetas da vida brasileira. Foi ele, por exemplo, quem fez os primeiros registros de contatos com os índios realizados pelos irmãos Villas-Boas no Xingu e na Serra do Roncador. 

 Índio Xavante - Expedição Roncador (Xingu, Serra do Roncador MT) , 1949

matriz-negativo
Coleção Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Doação do autor

  Expedição Roncador, Xingú MT , 1949 - matriz-negativo
Coleção Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Doação do autor

 Primeiro Encontro Pacífico com a Tribo Kubenkrankein , 1957 - matriz-negativo
Coleção Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Doação do autor 

 

 Índio Kalapalo, Mato Grosso, c. de 1949

Instituto Moreira Salles

 Terra Indigena do Xingu-Aldeia Moygu-Povo Ikpeng.

Mutua Ikpeng quase pronto para festa Moyngo,
Terra Indígena Xingu Aldeia Moygu.

O NEGRO E A CULTURA AFRO-BRASILEIRA ATRAVÉS DA FOTOGRAFIA 
“Há alguns anos, tive a oportunidade de fotografar os rituais secretos de iniciação das filhas-de-santo, o que se fez pela primeira vez na história da imprensa brasileira.” 

José Medeiros

 

 Iniciação no Candomblé , 1957 - matriz-negativo
Coleção Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Doação do autor 

 

 

 

Fontes:
http://josemedeirosimagem.wordpress.com/
http://ims.uol.com.br/hs/josemedeiros/josemedeiros.html

Itaú Cultural

Cultura - Erudita, Popular e de Massas

O QUE É CULTURA? 

• A cultura é fundamental para a compreensão de diversos valores morais e éticos que guiam nosso comportamento social.   Entender como estes valores se internalizaram em nós e como eles conduzem nossas emoções e a avaliação do outro, é um grande desafio.
• Cultura é o conjunto de atividades e modos de agir, costumes e instruções de um povo. É o meio pelo qual o homem se adapta às condições de existência transformando a realidade.  
• Cultura é um processo em permanente evolução, diverso e rico. É o desenvolvimento de um grupo social, uma nação, uma comunidade; fruto do esforço coletivo pelo aprimoramento de valores espirituais e materiais.  É o conjunto de fenômenos materiais e ideológicos que caracterizam um grupo étnico ou uma nação ( língua, costumes, rituais, culinária, vestuário, religião, etc ), estando em permanente processo de mudança.

CULTURA ERUDITA

• A cultura erudita, pressupõe uma elaboração maior e por isso uma institucionalização do saber. Isto é: o domínio da cultura erudita passa não pela tradição familiar, mas por academias, bibliotecas, conservatórios musicais, etc, que selecionam o material e impõem regras rígidas e complexas elaborações. Bach, na música, e Ingres, na pintura, são exemplos disso.
• Evidentemente, os conceitos popular e erudito escondem também uma valoração. Por muitos anos, a cultura popular foi considerada inferior à erudita; e erudito mesmo era aquilo que era europeu, de preferência francês, inglês ou alemão. 
• Os produtores da chamada cultura erudita fazem parte de uma elite social, econômica, política e cultural e seu conhecimento é proveniente do pensamento científico, dos livros, das pesquisas universitárias ou do estudo em geral (erudito significa que tem instrução vasta e variada adquirida sobretudo pela leitura). A arte erudita e de vanguarda é produzida visando museus, críticos de arte, propostas revolucionárias ou grandes exposições, público e divulgação.

Cultura Erudita

CULTURA POPULAR

• A cultura popular aparece associada ao povo, às classes excluídas socialmente, às classes dominadas. A cultura popular não está ligada ao conhecimento científico, pelo contrário, ela diz respeito ao conhecimento vulgar ou espontâneo, ao senso comum.
• O mais importante na arte popular não é o objeto produzido, e sim o próprio artista, o homem do povo, do meio rural ou das periferias das grandes cidades. Por isso também a arte popular é sempre contemporânea a seu tempo.
• O artista popular tira sua “inspiração” de acontecimentos locais rotineiros. A arte popular é regional.
• É importante ressaltar que os produtores da cultura popular não têm consciência de que o que fazem têm um ou outro nome.
• A cultura popular seria aquela que é produto de um saber não institucionalizado, que não se aprende em colégios ou academias; exemplo disso é o crochê, ou a culinária tradicional, ou ainda a literatura de cordel.
• Uma manifestação típica da cultura popular brasileira (junto com a literatura de cordel) é a frase de parachoque de caminhão, que condensa muito da experiência e do saber popular. O bom humor do brasileiro, por décadas, foi literalmente "veiculado" nos parachoques de caminhão.

 

 Cultura Popular Brasileira

Cultura, Cultura Popular e Cultura Erudita

CULTURA DE MASSAS - INDÚSTRIA CULTURAL

• A existência da Indústria Cultural e de uma nova cultura veiculada por esta, a cultura de massas, que não está vinculada a nenhum grupo específico e é transmitida de maneira industrializada para um público generalizado, interfere na existência de uma cultura erudita (da elite) e de uma cultura popular (do povo).
• A Indústria Cultural é uma indústria que não fabrica produtos concretos, vende uma ideologia, vende visões do mundo, vende ideias, desejos. Feita para uma massa de pessoas, esses bens culturais são veiculados pelos meios de comunicação de massas, aí surge a cultura de massas (o produto da Indústria Cultural). A cultura de massas não é uma cultura que surge espontaneamente das próprias massas, mas uma cultura já pronta e fornecida por outro setor social (que controla a produção da Indústria Cultural), a classe dominante. Portanto, na vida em cidades (residência das massas) e com a Indústria Cultural a cultura passa a ser algo externo às pessoas, não mais de produção delas mesmas.
• A cultura de massas funciona como uma ponte entre a cultura erudita e a cultura popular, mas uma ponte prejudicial, porque na verdade ela ignora totalmente as diferenças entre os produtores dessas duas culturas e se direciona para um público abstrato e homogêneo. São utilizados vários instrumentos para a massificação cultural, nos dias de hoje, a televisão, o rádio e a internet são os mais usados, mas podemos citar também os jornais, os livros, entre outros.

Indústria Cultural (Aula Motion)

Cultura de Massas pela massa

Cultura Popular X Cultura de Massas

Escultura com caixas de fósforo – Lygia Clark

Nelson Motta comenta Hélio Oiticica

Matéria - TV Globo

Pintor, escultor e artista plástico brasileiro

Hélio Oiticica

26 de julho de 1937, Rio de Janeiro
22 de março de 1980, Rio de Janeiro

Hélio Oiticica criou os parangolés, os bólides e os penetráveis e teorizou sobre o fazer artístico

Hélio Oiticica é filho de José Oiticica Filho (1906-1964), um dos importantes fotógrafos brasileiros, que também era engenheiro, professor de matemática e entomólogo e de Ângela Santos Oiticica (1903-1972). Teve mais dois irmãos (César e Cláudio) nascidos respectivamente em 1939 e 1941.

A educação de Hélio e seus irmãos começou em sua casa, onde tiveram aulas de matemática, ciências, línguas, história e geografia dadas pelo pai e a mãe. Também teve grande influência em sua formação o avô José Oiticica (1882-1957), conhecido intelectual filólogo, professor, escritor, anarquista e jornalista.

No ano de 1947, seu pai, José Oiticica Filho foi premiado com uma bolsa da Fundação Guggenheim. A família se mudou para os EUA (Washington) e seu pai passou a trabalhar no United States National Museum - Smithsonian Institution. Ficam lá por dois anos e Hélio, então com 10, e seus irmãos são matriculados pela primeira vez numa escola oficial (Thomson School). A a proximação com a arte se deu nessa época. Hélio e os irmãos tinham à disposição galerias de arte e museus.

A família retornou ao Rio de Janeiro, em 1950, e, em 1952, Hélio começou a escrever e a traduzir peças de teatro que encenava em casa com os irmãos. Sua tia, a atriz Sônia Oiticica, passou a o incentivá-lo nessa empreitada.

Primeiras exposições

Durante a II Bienal do Museu de Arte Moderna de São Paulo, realizada em 1953, Oiticica tomou contato com a obra de Paul Klee, Alexander Calder, Piet Mondrian e Pablo Picasso e no ano seguinte começou a estudar pintura com Ivan Serpa. Entrou para o Grupo Frente e junto fez a sua primeira exposição no Museu de Arte Moderna. Nessa época começou a conviver com artistas e críticos, como Lygia Clark, Ferreira Gullar e Mário Pedrosa. Sua obra desse período (1955-57) são pinturas geométricas sob guache e cartão, que resultou em 27 trabalhos nessa técnica, intitulados "Secos", que foram expostos no Rio de Janeiro, na Exposição Nacional de Arte Concreta.

Paralelo a esse evento esteve presente à polêmica conferência proferida por Décio Pignatari, na "Noite de Arte Concreta" na União Nacional dos Estudantes. Esse evento teve grande importância pois lançou as bases da arte concreta e colocou, de um lado, poetas e críticos como Haroldo de Campos, Augusto de Campos, Décio Pignatari e Ferreira Gullar e de outro, os defensores da arte tradicional.

Em 1959, convidado por Lygia Clark e Gullar, integrou o Grupo Neoconcreto do Rio de Janeiro e passou a realizar pinturas a óleo sobre tela e compensado. São obras monocromáticas que incluem pinturas triangulares em vermelho e branco. Nesse mesmo ano participou da V Bienal do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Em 1960 trabalhou como auxiliar técnico de seu pai, José Oiticica Filho, no Museu Nacional.

Parangolés e Penetráveis

A partir do início dos anos 60, Oiticica começou a definir qual seria o seu papel nas artes plásticas brasileiras e a conceituar uma nova forma de trabalhar, fazendo uso de maneiras que rompiam com a idéia de contemplação estática da tela. Surgiu aí uma proposta da apreciação sensorial mais ampla da obra, através do tato, do olfato, da audição e do paladar. Exemplo disso é o penetrável PN1 e a maquete do Projeto Cães de Caça, composto de cinco penetráveis (1961) e os bólides, que são as estruturas manuseáveis, chamados de B1 Bólide caixa 1 (1963).

Nesse período (1964) aproximou-se da cultura popular e passou a frequentar a Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira, tornando-se passista e integrando-se na comunidade do morro. Vem dessa época o uso da palavra "parangolé" que passou a designar as obras que estava trabalhando naquele momento. Os primeiros parangolés se compunham de tenda, estandarte e bandeira e P4, a primeira capa para ser usada sobre o corpo. São obras que causaram polêmicas e ele definia como "antiarte por excelência. Na exposição Opinião 65, no MAM do Rio de Janeiro, foi proibido de desfilar - os passistas da Mangueira vestiam seus parangolés - nas dependências do museu. Hélio realizou a apresentação no jardim, com grande aceitação pública.

Hélio Oiticica, além de realizar as sua obras, também teorizava sobre elas em textos como "Os bólides e o sistema espacial que neles se revela", "Bases fundamentais para definição do parangolé", e "Anotações sobre o parangolé", entre muitos outros, que divulgava mimeografadas.

Em 1965, começou carreira internacional e realizou exposição (Soundings Two) em Londres, ao lado de obras de Duchamp, Klee, Kandinsky, Mondrian, Léger, entre outros.

Em 1967, iniciou suas propostas supra-sensoriais, com os bólides da "Trilogia Sensorial", além dos penetráveis PN2 e PN3 que faziam parte da obra Tropicália, mostrada na exposição Nova Objetividade Brasileira, no MAM, Rio de Janeiro.

Caetano Veloso usou como cenário a bandeira "Seja marginal seja herói", de Hélio, em show na boate Sucata no Rio de Janeiro. A bandeira foi apreendida e o espetáculo suspenso pela Polícia Federal. Essa aproximação com Oiticica foi de grande importância na definição dos rumos da música brasileira.

Além da militância artística no Brasil, a carreira internacional de Hélio Oiticica passou a tomar grande parte de seu tempo, com exposições e intervenções em Londres, Nova York e Pamplona, a partir dos fins dos de 60 e início dos anos 70. Em 1972, usou o formato super 8 e realizou o filme Agripina é Roma - Manhattan. O cinema passou a ser uma referência, e em 1973 criou o projeto Quase-cinema, com a obra "Helena inventa Ângela Maria", série de slides que evocam a carreira da cantora Ângela Maria.

Uma nova série de penetráveis intitulados Magic Square e os objetos Topological ready-made landscapes foram mostrados na exposição Projeto construtivo brasileiro, MAM, Rio de Janeiro, em 1977. Em 1979, criou o seu último penetrável chamado "Azul in azul". Neste ano, Ivan Cardoso realizou o filme "HO", retratando a obra de Hélio Oiticica.

No dia 22 de março de 1980, sofreu um acidente vascular cerebral, vindo a falecer, no Rio de Janeiro.
(AAR)

Projeto Hélio Oiticica, site oficial do artista

Fonte: http://educacao.uol.com.br/biografias/helio-oiticica.jhtmhttp://educacao.uol.com.br/biografias/helio-oiticica.jhtm

Lygia Clark e suas obras.

Obras da artista plástica Lygia Clark

Lygia Clark

Da pintura aos objetos tridimensionais

Valéria Peixoto de Alencar*
Especial para a Página 3 Pedagogia & Comunicação

Mineira, Lygia Pimentel Lins (1920 - 1998) foi pintora e escultora. Mudou-se para o Rio de Janeiro, em 1947, e iniciou seu aprendizado artístico com Burle Marx. Entre 1950 e 1952, viveu em Paris, onde estudou com Fernand Léger, Isaac Dobrinsky e Arpad Szenes e realizou sua primeira exposição individual.

Sem título, 1957

De volta para o Brasil, integrou o Grupo Frente. Foi uma das fundadoras do Grupo Neoconcreto e participou da sua primeira exposição, em 1959. Gradualmente, trocou a pintura pela experiência com objetos tridimensionais. Realizou obras participacionais como a série Bichos, de 1960, construções metálicas geométricas que se articulam por meio de dobradiças e requerem a participação do público.

Em 1960, ensinou artes plásticas no Instituto Nacional de Educação dos Surdos. Recebeu o prêmio de melhor escultora na Bienal Internacional de São Paulo em 1961. Morou em Paris entre 1970 e 1976, período em que ensinou na Facultade de Artes Plásticas St. Charles, na Sorbonne. Voltou ao Brasil em 1976; dedicou-se ao estudo das possibilidades terapêuticas da arte sensorial.

Obras de Lygia Clark

A obra inicial de Lygia Clark é fortemente influenciada pelo construtivismo da década de 1930. Até que, ao assinar o Manifesto Neoconcreto, novas diretrizes formais apontam em seu trabalho.

Bicho, c.1960, 14 x 34 x 30 cm

Lygia rompeu com o espaço bidimensional do quadro, aboliu a moldura, e sua obra invadiu a terceira dimensão. De 1960 a 1964, ela elaborou seus "Bichos", sua obra mais famosa, reproduzida na fotografia acima.

Trata-se de um conjunto de chapas de alumínio, articulados com dobradiças que permitem que as pessoas dobrem, virem, mexam, combinem as formas. Ou seja, a obra não é acabada, convidando quem a vê a interagir. Todas suas obras produzidas a partir de "Bichos" seguem este conceito: o público é parte fundamental da obra.

Valéria Peixoto de Alencar* é historiadora formada pela USP e cursa o mestrado em Artes no Instituto de Artes da Unesp.

Fonte: http://educacao.uol.com.br/artes/lygia-clark-da-pintura-aos-objetos-tridimensionais.jhtm

ARTE URBANA - Texto complementar

A arte urbana, ou street art, é um fazer artístico que abrange várias formas de grafismos, além de intervenções, instalações e flash mob, mas estes ficam para outra oportunidade. Entre os grafismos, os mais conhecidos são o graffiti, o estêncil, stickers, cartazes lambe-lambe (pôster-bombs). Passando pelo movimento underground (subterrâneo) – caracterizado por estar fora dos padrões comerciais, modismos ou mídia –, atualmente a street art é reconhecida em todo o mundo.

 

A ARTE DO GRAFFITI

A arte do grafite é uma forma de manifestação artística em espaços públicos. A definição mais popular diz que o grafite é um tipo de inscrição feita em paredes, dessa maneira temos relatos e vestígios do mesmo desde o Império Romano. Seu aparecimento na idade contemporânea se deu na década de 1970, em Nova Iorque, nos Estados Unidos.
De todas as formas de expressão da arte urbana, provavelmente o graffiti é o mais conhecido e o mais praticado em todo o mundo. Inscrito em muros e paredes das grandes cidades, por muito tempo foi visto como vandalismo e contravenção. Entretanto, hoje, é considerado uma manifestação artística ligada às artes visuais e, mais especificamente, à street art. O grafite teve em Michel Basquiat (1960-1988), seu mais famoso expoente e, na atualidade, os brasileiros “Os Gêmeos” (Otávio e Gustavo Pandolfo) são conhecidos e reconhecidos como os graffiteiros mais famosos do mundo.

Os Gêmeos, Otávio e Gustavo começaram a grafitar no final dos anos 80, no bairro do Cambuci (zona sul de São Paulo), onde nasceram. Eles militavam no movimento hip hop, quando este alcançava o auge no Brasil. Além de grafitar, a dupla percorria a cidade fazendo apresentações de break (modalidade de dança de rua que, juntamente com o rap e o próprio grafite, são marcas do movimento nascido nos EUA, na década de 70).

Os Gêmeos - SP

Jean-Michel Basquiat (1960 – 1988) enfatiza as ligações do graffiti ao hip hop e com o mundo underground dos pichadores que o trabalho de Kate Haring anuncia. De origem haitiana, Basquiat enraíza sua arte na experiência da exclusão social, no universo dos migrantes e no repertório cultural dos afro-americanos. Ao longo dos anos 1970, seus "textos pintados" tomam os muros de Nova York, redutos de intelectuais e artistas, e fazem dele um artista conhecido. Mas é na década seguinte que a caligrafia visual de Basquiat - com suas referências à anatomia humana, ao rap, ao break dance e à vida nova-iorquina de modo geral - passa a ser reconhecida, pela sua colaboração com Andy Warhol (1928 – 1987). As obras de Haring e Basquiat tornam-se referências para experimentos com graffiti realizados em grandes cidades de todo o mundo.

Jean-Michel Basquiat

Kate Haring

Em São Paulo, as imagens de Alex Vallauri (1949 - 1987) - figuras das histórias de quadrinhos, carrinhos de supermercado, o jacaré da marca Lacoste etc. - começam a ser identificados, entre 1978 e 1979. Ao lado dele, destacam-se os trabalhos de Waldemar Zaidler (1958) e Carlos Matuck (1958). O grupo Tupinão Dá, 1986, - Carlos Delfino, Jaime Prades (1958), Milton Sogabe (1953), José Carratu e outros -, é mais uma referência importante quando o assunto é o graffiti na capital paulista, pois o grupo realiza performances e grafitagens pela cidade em toda a década de 1980. A Bienal Internacional de São Paulo de 1987 abre espaço para essa produção ao exibir uma parede pintada pelo grupo. Os adeptos do graffiti reconhecem seu débito em relação à arte pop e às experiências dos artistas norte-americanos.

Carlos Matuck

STENCIL ART

Rainha do frango assado - Alex Vallauri

Alex Vallauri nos anos 70 recupera para a arte contemporânea a técnica do Stencil Art, utilizada na modernidade, nos anos 30, por artistas de Paris. Vallauri retoma este antigo procedimento de impressão - utilizado pelos grandes pintores, inclusive no renascimento - adaptando-o às artes plásticas contemporâneas.

Alex Vallauri, criador de figuras irônicas e ao mesmo tempo belas, simples e ao mesmo tempo complexas, abriu caminho para uma legião de artistas, que em vez de usar os materiais convencionais da arte usaram a cidade como suporte para as suas obras. Aparece assim a escola vallauriana: artistas que utilizam o Stencil Art e, com o passar do tempo, transmitem por intermédio de oficinas artísticas, o ideal de Vallauri para as novas gerações: "transformar o urbano como uma arte viva".

O Stencil é uma forma de graffiti mais rápida e simples. Porém não tão simples como aparenta, pois um bom stencil é feito por um bom artista. A técnica consiste em utilizar uma placa como molde para a figura. Imagine quando você faz os trabalhos da escola, recorta letras na cartolina e cola no trabalho. Pois muito bem. Retire as letras, mas deixe a cartolina inteira. Pronto. Você acabou de construir um molde para um stencil. Ponha a placa sobre qualquer superfície e pinte os espaços onde as letras foram cortadas. Retire e veja o resultado.

O sucesso do estilo Stencil se deve ao fato de ser utilizado sobre uma variedade enorme de superfícies. Desde uma calçada ou parede ao tecido de uma camiseta, por exemplo. É utilizado também em algumas gráficas. As plataformas que servem como molde são feitas normalmente de papel, papelão e metal. Os graffitis mais impactantes são os com apelo social ou até mesmo de caráter poético.



Entre os vários artistas que trabalham com stencil art, o norte-americano Shepard Fairey ficou internacionalmente conhecido pelo trabalho que fez para a campanha política à Presidência de Barack Obama. Dá também para citar Anthony Lister, Know Hope, Banksy entre outros.

Stencil para a campanha política de Barack Obama - Shepard Fairey

Banksy

Banksy

*Pessoas, não deixem de estudar. Esse texto é complementar ao que estudamos em sala, mas ele contém muita informação importante sobre o graffiti. Estudem bastante! Confio no potencial de vocês! Abração!!! :-)