Nelson Motta comenta Hélio Oiticica

Matéria - TV Globo

Pintor, escultor e artista plástico brasileiro

Hélio Oiticica

26 de julho de 1937, Rio de Janeiro
22 de março de 1980, Rio de Janeiro

Hélio Oiticica criou os parangolés, os bólides e os penetráveis e teorizou sobre o fazer artístico

Hélio Oiticica é filho de José Oiticica Filho (1906-1964), um dos importantes fotógrafos brasileiros, que também era engenheiro, professor de matemática e entomólogo e de Ângela Santos Oiticica (1903-1972). Teve mais dois irmãos (César e Cláudio) nascidos respectivamente em 1939 e 1941.

A educação de Hélio e seus irmãos começou em sua casa, onde tiveram aulas de matemática, ciências, línguas, história e geografia dadas pelo pai e a mãe. Também teve grande influência em sua formação o avô José Oiticica (1882-1957), conhecido intelectual filólogo, professor, escritor, anarquista e jornalista.

No ano de 1947, seu pai, José Oiticica Filho foi premiado com uma bolsa da Fundação Guggenheim. A família se mudou para os EUA (Washington) e seu pai passou a trabalhar no United States National Museum - Smithsonian Institution. Ficam lá por dois anos e Hélio, então com 10, e seus irmãos são matriculados pela primeira vez numa escola oficial (Thomson School). A a proximação com a arte se deu nessa época. Hélio e os irmãos tinham à disposição galerias de arte e museus.

A família retornou ao Rio de Janeiro, em 1950, e, em 1952, Hélio começou a escrever e a traduzir peças de teatro que encenava em casa com os irmãos. Sua tia, a atriz Sônia Oiticica, passou a o incentivá-lo nessa empreitada.

Primeiras exposições

Durante a II Bienal do Museu de Arte Moderna de São Paulo, realizada em 1953, Oiticica tomou contato com a obra de Paul Klee, Alexander Calder, Piet Mondrian e Pablo Picasso e no ano seguinte começou a estudar pintura com Ivan Serpa. Entrou para o Grupo Frente e junto fez a sua primeira exposição no Museu de Arte Moderna. Nessa época começou a conviver com artistas e críticos, como Lygia Clark, Ferreira Gullar e Mário Pedrosa. Sua obra desse período (1955-57) são pinturas geométricas sob guache e cartão, que resultou em 27 trabalhos nessa técnica, intitulados "Secos", que foram expostos no Rio de Janeiro, na Exposição Nacional de Arte Concreta.

Paralelo a esse evento esteve presente à polêmica conferência proferida por Décio Pignatari, na "Noite de Arte Concreta" na União Nacional dos Estudantes. Esse evento teve grande importância pois lançou as bases da arte concreta e colocou, de um lado, poetas e críticos como Haroldo de Campos, Augusto de Campos, Décio Pignatari e Ferreira Gullar e de outro, os defensores da arte tradicional.

Em 1959, convidado por Lygia Clark e Gullar, integrou o Grupo Neoconcreto do Rio de Janeiro e passou a realizar pinturas a óleo sobre tela e compensado. São obras monocromáticas que incluem pinturas triangulares em vermelho e branco. Nesse mesmo ano participou da V Bienal do Museu de Arte Moderna de São Paulo. Em 1960 trabalhou como auxiliar técnico de seu pai, José Oiticica Filho, no Museu Nacional.

Parangolés e Penetráveis

A partir do início dos anos 60, Oiticica começou a definir qual seria o seu papel nas artes plásticas brasileiras e a conceituar uma nova forma de trabalhar, fazendo uso de maneiras que rompiam com a idéia de contemplação estática da tela. Surgiu aí uma proposta da apreciação sensorial mais ampla da obra, através do tato, do olfato, da audição e do paladar. Exemplo disso é o penetrável PN1 e a maquete do Projeto Cães de Caça, composto de cinco penetráveis (1961) e os bólides, que são as estruturas manuseáveis, chamados de B1 Bólide caixa 1 (1963).

Nesse período (1964) aproximou-se da cultura popular e passou a frequentar a Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira, tornando-se passista e integrando-se na comunidade do morro. Vem dessa época o uso da palavra "parangolé" que passou a designar as obras que estava trabalhando naquele momento. Os primeiros parangolés se compunham de tenda, estandarte e bandeira e P4, a primeira capa para ser usada sobre o corpo. São obras que causaram polêmicas e ele definia como "antiarte por excelência. Na exposição Opinião 65, no MAM do Rio de Janeiro, foi proibido de desfilar - os passistas da Mangueira vestiam seus parangolés - nas dependências do museu. Hélio realizou a apresentação no jardim, com grande aceitação pública.

Hélio Oiticica, além de realizar as sua obras, também teorizava sobre elas em textos como "Os bólides e o sistema espacial que neles se revela", "Bases fundamentais para definição do parangolé", e "Anotações sobre o parangolé", entre muitos outros, que divulgava mimeografadas.

Em 1965, começou carreira internacional e realizou exposição (Soundings Two) em Londres, ao lado de obras de Duchamp, Klee, Kandinsky, Mondrian, Léger, entre outros.

Em 1967, iniciou suas propostas supra-sensoriais, com os bólides da "Trilogia Sensorial", além dos penetráveis PN2 e PN3 que faziam parte da obra Tropicália, mostrada na exposição Nova Objetividade Brasileira, no MAM, Rio de Janeiro.

Caetano Veloso usou como cenário a bandeira "Seja marginal seja herói", de Hélio, em show na boate Sucata no Rio de Janeiro. A bandeira foi apreendida e o espetáculo suspenso pela Polícia Federal. Essa aproximação com Oiticica foi de grande importância na definição dos rumos da música brasileira.

Além da militância artística no Brasil, a carreira internacional de Hélio Oiticica passou a tomar grande parte de seu tempo, com exposições e intervenções em Londres, Nova York e Pamplona, a partir dos fins dos de 60 e início dos anos 70. Em 1972, usou o formato super 8 e realizou o filme Agripina é Roma - Manhattan. O cinema passou a ser uma referência, e em 1973 criou o projeto Quase-cinema, com a obra "Helena inventa Ângela Maria", série de slides que evocam a carreira da cantora Ângela Maria.

Uma nova série de penetráveis intitulados Magic Square e os objetos Topological ready-made landscapes foram mostrados na exposição Projeto construtivo brasileiro, MAM, Rio de Janeiro, em 1977. Em 1979, criou o seu último penetrável chamado "Azul in azul". Neste ano, Ivan Cardoso realizou o filme "HO", retratando a obra de Hélio Oiticica.

No dia 22 de março de 1980, sofreu um acidente vascular cerebral, vindo a falecer, no Rio de Janeiro.
(AAR)

Projeto Hélio Oiticica, site oficial do artista

Fonte: http://educacao.uol.com.br/biografias/helio-oiticica.jhtmhttp://educacao.uol.com.br/biografias/helio-oiticica.jhtm

Hélio Oiticica - Vídeos

H.O. Supra-Sensorial: A Obra de Hélio Oiticica - Parte 1

H.O. Supra-Sensorial: A Obra de Hélio Oiticica - Parte 2

H.O. Supra-Sensorial: A Obra de Hélio Oiticica - Parte 3

Lygia Clark e suas obras.

Obras da artista plástica Lygia Clark

Lygia Clark

Da pintura aos objetos tridimensionais

Valéria Peixoto de Alencar*
Especial para a Página 3 Pedagogia & Comunicação

Mineira, Lygia Pimentel Lins (1920 - 1998) foi pintora e escultora. Mudou-se para o Rio de Janeiro, em 1947, e iniciou seu aprendizado artístico com Burle Marx. Entre 1950 e 1952, viveu em Paris, onde estudou com Fernand Léger, Isaac Dobrinsky e Arpad Szenes e realizou sua primeira exposição individual.

Sem título, 1957

De volta para o Brasil, integrou o Grupo Frente. Foi uma das fundadoras do Grupo Neoconcreto e participou da sua primeira exposição, em 1959. Gradualmente, trocou a pintura pela experiência com objetos tridimensionais. Realizou obras participacionais como a série Bichos, de 1960, construções metálicas geométricas que se articulam por meio de dobradiças e requerem a participação do público.

Em 1960, ensinou artes plásticas no Instituto Nacional de Educação dos Surdos. Recebeu o prêmio de melhor escultora na Bienal Internacional de São Paulo em 1961. Morou em Paris entre 1970 e 1976, período em que ensinou na Facultade de Artes Plásticas St. Charles, na Sorbonne. Voltou ao Brasil em 1976; dedicou-se ao estudo das possibilidades terapêuticas da arte sensorial.

Obras de Lygia Clark

A obra inicial de Lygia Clark é fortemente influenciada pelo construtivismo da década de 1930. Até que, ao assinar o Manifesto Neoconcreto, novas diretrizes formais apontam em seu trabalho.

Bicho, c.1960, 14 x 34 x 30 cm

Lygia rompeu com o espaço bidimensional do quadro, aboliu a moldura, e sua obra invadiu a terceira dimensão. De 1960 a 1964, ela elaborou seus "Bichos", sua obra mais famosa, reproduzida na fotografia acima.

Trata-se de um conjunto de chapas de alumínio, articulados com dobradiças que permitem que as pessoas dobrem, virem, mexam, combinem as formas. Ou seja, a obra não é acabada, convidando quem a vê a interagir. Todas suas obras produzidas a partir de "Bichos" seguem este conceito: o público é parte fundamental da obra.

Valéria Peixoto de Alencar* é historiadora formada pela USP e cursa o mestrado em Artes no Instituto de Artes da Unesp.

Fonte: http://educacao.uol.com.br/artes/lygia-clark-da-pintura-aos-objetos-tridimensionais.jhtm

Vídeo da turma 902 que orientei nos trabalhos para o Sarau Literário/Show de Talentos 2011.

Sarau Literário / Show de Talentos 2011 - CECO - Turma 902

CECO - Projeto Sarau Literário/Show de Talentos - 2011

Apresentação da peça teatral "O casamento de Maria: a mais Bela do sertão" pela turma 902, orientada por mim (profº Raphael Lanzillotte) e pela animadora cultural do colégio (Evanir). Além da peça os alunos também apresentaram uma coreografia que fez o CECO dançar muuuuiiiito! Foi só sucesso! Parabenizo a todos os alunos e alunas, não só os que encenaram a peça, mas aos que ajudaram a organizar, pintar o painel para o cenário, enfim, todos que se dedicaram a essa atividade tão prazerosa. Obrigado e, mais uma vez, PARABÉNS PESSOAS!!!! ;)

Instalação, do artista José Spaniol, leva o observador a questionar as dimensões e conceitos do espaço

A partir de 11 de agosto, a exposição Colunas ocupa o mezanino do Palácio Gustavo Capanema, no Rio de Janeiro. Vencedora do Prêmio Funarte de Arte Contemporânea, a instalação de José Spaniol destaca a relação entre objeto e espaço.
O artista incluiu 30 colunas no mezanino. A ideia é criar uma nova relação espacial para o observador e, ao mesmo tempo, esconder as doze colunas originais do edifício, num jogo entre ocultamento e revelação.
Ao interagir com a instalação, o visitante pode ter múltiplas visões e conceitos do ambiente. Mais do que uma reflexão estética, a obra dá continuidade ao trabalho de pesquisa do espaço que Spaniol vem realizando nos últimos anos.
A instalação Colunas foi exposta, pela primeira vez, em 2003, no Centro Universitário Maria Antônia, em São Paulo. Em 2007, outra versão foi apresentada no museu da Fundação União Fenosa, na cidade da Coruña, na Galícia, Espanha. Em cada edição, segundo o artista, o sentido da ocupação foi completamente diferente, variando de acordo com o espaço.
Agora, no Rio de Janeiro, Spaniol recria uma nova versão. “Pelas características arquitetônicas e condições de luminosidade e proporção, no espaço da Funarte, os conteúdos da instalação deverão ser pontencializados”, acredita. O artista afirma que, nesta instalação, as colunas irão cumprir a função de sinalizar as subdivisões, destacando o vazio, fazendo lembrar a atmosfera presente em alguns espaços religiosos.
Sobre o artista José Paiani Spaniol nasceu no Rio Grande do Sul, mas vive e trabalha em São Paulo. Doutor e Mestre em Artes, pela USP, ele é professor da Universidade Estadual Paulista (UNESP). Já participou de diversas mostras nacionais e internacionais, e conquistou vários prêmios. Possui obras nos acervos do Museu de Arte Contemporânea da USP, no Museu de Arte Moderna de São Paulo e de outras instituições. Entre 1985 e 1989, atuou como orientador dos cursos de pintura e gravura da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Nos anos 1990, viveu em Colônia, na Alemanha, como bolsista do Deutscher Akademischer Austauch Dienst – DAAD (Serviço Alemão de Intercâmbio Acadêmico). Em 1999, ganhou a bolsa Virtuose do Ministério da Cultura para cumprir período de residência no European Ceramics Work Center, na Holanda.
Colunas De José Spaniol
Contemplada com o Prêmio Funarte de Arte Contemporânea
Abertura: 11/08, às 18h
Visitação: até 7/10, de segunda a sexta, das 9h às 18h
Local: Mezanino do Palácio Gustavo Capanema Rua da Imprensa, 16 – Centro – Rio de Janeiro (RJ)

‘Estúdio F’ traça panorama musical da Funarte

De uma parceria inédita entre a antiga Radiobrás (atual EBC) e a Fundação Nacional de Artes (Funarte) nasceu o programa Estúdio F. Lançado em novembro de 2006, a atração é uma das raras oportunidades do público conhecer de forma mais detalhada a vida e a obra de grandes nomes da música brasileira.

O Estúdio F vai ao ar pela Rádio Nacional às terças-feiras, sempre às 20h (com reprise no domingo às 23h) e em Brasília aos domingos, às 20h.

O roteiro do programa é assinado pelo jornalista Cláudio Felicio. A apresentação fica a cargo do produtor Paulo César Soares.

Clique aqui para acessar o site.

Ciclotropia - Tim Wheatley

Aqui temos um outro projeto, este de Tim Wheatley, que não usa nenhum recurso digital para fazer as animações — é tudo na mão mesmo, literalmente. No blog dele tem mais.

Phonovideo - Clemens Kogler

Phonovideo é uma ferramenta de VJ ou instrumento visual usado para exibir animações de forma analógica, sem a ajuda de um computador. "Stuck in a Groove" é o primeiro filme feito com esta técnica, que serve também como uma demonstração da técnica.
No phonovideo futuro deve ser usado para apresentações ao vivo em cooperações com os músicos, performancers e outros artistas.
A música "Stuck in a Groove" foi criado por Richard Eigner / Ritornell e também está contido no álbum Ritornell - Solitude de Ouro (karaoke kalk 47 cd / lp 52)

Para assistir a animação CLIQUE AQUI.