Antoine Tempé - Fotografia e dança

Antoine Tempé conta frequentemente que é a dança que o levou à fotografia, à África e ao retrato. Em Nova Iorque, cidade multicultural entre todas, ele mesmo dançarino, encontrou as suas primeiras companhias nos anos 1990. Viajou depois durante um ano no Oeste do continente negro. Desde o ano 2001, segue os maiores dançarinos contemporâneos africanos, aproximando-se sempre mais perto dos corpos e dos rostos, para sondar a força vital e esta energia tão específica que habita as suas fotografias.

Surpreendidos no meio do movimento, os dançarinos de Antoine Tempé oferecem o inapreensivel, estes momentos de graça invisíveis  ao olho nu, e que se revelam apenas quando nos os detemos. A corrida do tempo abolida pelo talento do fotógrafo, cada um revela-se na intimidade do estúdio, oferecendo ao olhar um movimento, uma expressão, ligeiramente dele ou dela em seu gesto. É efetivamente a África de hoje que se revela nesta série de retratos dançados. Como um abecedário das almas e dos corpos, num universo liberado dos estereótipos, mostra-se sob uma pespectiva resolutamente moderna e atual, sem, no entanto, esquecer as suas raízes. A dança, espelho da alma.

Contemporânea, a fotografia de Antoine Tempé sublima a realidade para captar os mais bonitos e os mais ínfimos acidentes. Inscreve-se também numa tradição pictural clássica. O Efeito muito sensual das matérias e o grafismo sabiamente equilibrado num quadro de formato quadrado permanecem para ele os melhores aliados, para oferecer-nos a emoção visual que provoca o encontro destes rostos, destas silhuetas, capturados ao segundo perto.

Biografia do artista
Nascido em 1960, Antoine Tempé instala-se em Nova Iorque em 1983 e inicia sua carreira de fotógrafo no início dos anos 1990.  Começa por cobrir as noites de Nova Iorque para diversas revistas europeias antes de fotografar os seus amigos dançarinos no seu estúdio. Este trabalho leva-o rapidamente a colaborar com companhias de dança afro-americanas.

Em 2000, embarca para uma viagem fotográfica de um ano na África do Oeste e Madagascar: é lá que descobre a dança africana contemporânea e que começa a sua série intitulada Bailarinos da África. Desde então, compartilha o seu tempo entre Paris, a África do Oeste, o Brasil e Nova Iorque, realizando através do mundo a cobertura de festivais de dança, animando ações de formação (oficinas de fotografia…), trabalhando para a imprensa internacional e continuando ao mesmo tempo a desenvolver os seus projetos pessoais.

Fonte: Rioscope

Estudo dirigido (Revisão para a prova) - Arte Contemporânea no Brasil (Concretismo e Neoconcretismo)

CECO - C.E. Círculo Operário
Disciplina: Arte

Profº: Raphael Lanzillotte

Aluno/a: _____________________________________ Nº: ________ Turma: __________

Estudo dirigido - 2º bimestre

Arte Contemporânea no Brasil

(Concretismo e Neoconcretismo)

1)      Qual a intenção do artista holandês Theo Van Doesburg ao criar o termo “Concretismo”?

2)      É correto afirmar que:

a.      O Concretismo foi um movimento artístico influenciado pelo Renascimento.

b.      As obras do Concretismo utilizam regras acadêmicas como o uso da perspectiva.

c.       O Concretismo foge da representação da realidade e negam os conceitos acadêmicos.

d.      Os artistas concretos foram influenciados pelos pintores Van Gogh, Portinari e Seurat.

3)      As composições do Concretismo partiram dos princípios adotados por qual movimento artístico?

a.      Impressionismo.

b.      Construtivismo.

c.       Surrealismo.

d.      Dadaísmo.

4)      O Concretismo no Brasil teve duas vertentes uma em SP e outra no RJ. Como ficaram conhecidos esses dois grupos de Arte Concreta?

a.      Grupo Frente e Grupo Liberdade.

b.      Grupo Frente e Grupo Dada.

c.       Grupo Liberdade e Grupo Quebra.

d.      Grupo Ruptura e Grupo Frente.

5)      Fizeram parte do grupo de artistas concretos em São Paulo:

a.      Luiz Sacilotto, Waldemar Coredeiro e Portinari.

b.      Geraldo de Barros, Salvador Dalí e Monet.

c.       Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael.

d.      Geraldo de Barros, Luiz Sacilotto e Waldemar Cordeiro.

6)      No Rio de Janeiro, quais artistas participaram do grupo de artistas concretos?

a.      Carlos Vergara, Os Gêmeos e Banksy.

b.      Lygia Clark, Lygia Pape e Hélio Oiticica.

c.       Hélio Oiticica, Lary Poons e Jackson Polock.

d.      Lary Poons, Victor Vasarely e Lygia Clark.

7)      Cite as características principais do Concretismo em São Paulo.

8)      Por que os concretistas de São Paulo diziam que os concretistas do Rio de Janeiro estavam ainda longe de fazer uma Arte Concreta de fato?

9)      Que tipo de material era empregado na confecção das obras de Arte Concreta no Brasil?

10)  Como ficou conhecida a exposição que fez com que se tornasse evidente a distância entre os dois grupos de Arte Concreta no Brasil e que a organizou?

11)  Após tal exposição os dois grupos se desfizeram e alguns de seus integrantes se reuniram para dar início a um novo movimento artístico. Como se chamou esse movimento?

12)  O que defendiam os artistas desse novo movimento artístico?

13)  O que podemos entender sobre a “incorporação efetiva do público no jogo da experiência estética”?

14)  Cite pelo menos dois artistas participantes desse novo movimento artístico.

15)  Abaixo segue uma lista de artistas e obras. Relacione a segunda coluna de acordo com a primeira:

(A)   Lygia Clark

(B)   Hélio Oiticica

                     (   ) Parangolé

                     (   ) Penetrável

                     (   ) Bicho

                     (   ) Máscaras sensoriais

                     (   ) Bólide vidro

                     (   ) Casulo

                     (   ) Trepante

                     (   ) Relevo espacial

Texto - Arte Contemporânea no Brasil (Concretismo e Neoconcretismo)

Anos 50 no Brasil: Concretismo

•          Concretismo: expressão dada pelo holandês Van Doesburg para designar os artistas que “construíam” uma nova estrutura de cor e espaço;

•          As obras do Concretismo fogem da realidade e negam os conceitos acadêmicos da arte;

•          Os poucos artistas brasileiros que se dedicam ao Concretismo, baseavam seus estudos em artistas do exterior (Kandinsky, Mondrian, Klee, Malevitch, Tatlin) .

Grupo Ruptura/SP (1952)

•          Um grupo de sete artistas, a maioria de origem estrangeira residentes em São Paulo: Anatol Wladyslaw, Leopoldo Haa, Lothar Charoux, Féjer, Geraldo de Barros, Luiz Sacilotto, e o porta-voz oficial do grupo, Waldemar Cordeiro. Em seu manifesto, pretende-se romper com o "velho“, ou seja, "todas as variedades do naturalismo; o não-figurativismo, produto do gosto gratuito, que busca a mera excitação do prazer ou do desprazer"; Para eles, toda obra de arte possui uma base racional, em geral matemática. Na pintura, esses princípios correspondem à crítica do ilusionismo pictórico, à recusa do tonalismo cromático e à utilização dos recursos ópticos para a criação do movimento virtual. Lançam mão também do uso de materiais como esmalte, tinta industrial, acrílico e aglomerado de madeira, destacando a atenção do grupo ao desenvolvimento de materiais industriais.

Grupo Frente/RJ (1954)

•          É mais livre de regras. Formados por Ivan Serpa, Ferreira Gullar, Lygia Clark, Lygia Pape, Aluísio Carvão, Carlos Val, João José da Silva Costa, Vicent Ibberson, Emil Baruch, Franz Weissmann, César Oiticica, Hélio Oiticica, Rubem Ludolf, Elisa Martins da Silveira, Décio Vieira e Abraham Palatinik. Os concretistas de São Paulo sempre acusavam os cariocas de não seguirem ou destorcerem as regras. O uso livre da cor pelos cariocas fez que com os paulistas dissessem que estavam ainda longe do verdadeiro Concretismo. As propostas e embates entre os grupos Ruptura e Frente, foram importantes para o desenvolvimento da modernização da Arte brasileira, por permitir novas linguagens o grupo do Rio de janeiro progrediu mais em suas teorias.

Grupo Frente x Grupo Ruptura

•          A 1ª Exposição Nacional de Arte Concreta, organizada pelos concretos de São Paulo com a colaboração do grupo carioca torna evidente a distância entre os dois núcleos concretistas;

•          A exposição também ajuda a revelar a amplitude que a Arte abstrato-geométrica de matriz construtiva e concreta, havia adquirido no Brasil. Após a mostra, o Grupo Frente simultaneamente rompe com os artistas de São Paulo e começa a se desintegrar. Dois anos depois, alguns de seus integrantes iriam se agrupar para iniciar o Movimento Neoconcreto um dos mais significativos da Arte brasileira.

Anos 50 no Brasil: Neoconcretismo

•          A ruptura neoconcreta na Arte brasileira data de março de 1959, com a publicação do Manifesto Neoconcreto pelo grupo de mesmo nome, e deve ser compreendida a partir do movimento concreto no país, que remonta ao início da década de 1950 e aos artistas do Grupo Frente, no Rio de Janeiro, e do Grupo Ruptura, em São Paulo;

•          O Neoconcretismo parte de uma aproximação entre trabalho artístico e industrial;

•          Da arte é afastada qualquer conotação lírica ou simbólica;

•          O quadro, construído exclusivamente com elementos plásticos - planos e cores -, não tem outra significação senão ele próprio;

•          Menos do que representar a realidade, a obra de arte evidencia estruturas e planos relacionados, formas seriadas e geométricas, que falam por si mesmos;

•          Os neoconcretos defendem a liberdade de experimentação, o retorno às intenções expressivas e o resgate da subjetividade;

•          Recuperação das possibilidades criadoras do artista;

•          Incorporação efetiva do observador - que ao tocar e manipular as obras torna-se parte delas, ou seja, participação do espectador no jogo da experiência estética;

•          Tentativa de renovação da linguagem geométrica;

•          O Movimento Neoconcreto é visto como divisor de águas na história das artes visuais no Brasil; um ponto de ruptura da Arte Moderna no país;

•          Dois dos principais integrantes do Grupo Frente que deram origem a este Movimento foram: Ferreira Gullar e Lygia Clark.

Raymundo Colares

Raymundo Felicíssimo Colares (MG 1944 - MG 1986). Pintor, desenhista.
Estuda, em 1966, na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (EBA/UFRJ), no Rio de Janeiro. Nessa época, torna-se amigo dos artistas Antonio Manuel e Hélio Oiticica. No ano seguinte, deixa a EBA e passa a frequentar o ateliê livre de Ivan Serpa, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM/RJ). No mesmo ano, a convite de Antonio Dias, participa da exposição Nova Objetividade Brasileira, no MAM/RJ.  

A partir de 1968, passa a produzir os "gibis" - livros-objeto, nos quais explora as dobras e cores do papel, cujas folhas devem ser manuseadas pelo espectador. Apresenta, em 1969, os primeiros trabalhos tridimensionais, nos quais utiliza alumínio pintado. Para o crítico Frederico Morais, seus gibis remetem ao Livro da Criação, de Lygia Pape (1927-2004), por serem obras em processo em que as imagens se fazem ou desfazem à medida que as páginas são movimentadas. Os cortes oferecem sucessivas surpresas, revelando ao mesmo tempo um caráter lúdico. Nessas obras, Colares presta homenagem a alguns artistas, como naquela em que se baseia em telas de Mondrian (1872-1944).

 Chamas (gibi/livro-objeto)

Foi um artista que se inspirou, principalmente em pinturas e desenhos que mostravam rapidez e correria. Vivia em um bairro no Rio de Janeiro que era muito corrido, cheio de carros, movimentação, e , assim, sua criatividade surgiu e fez os quadros. Colares emprega a fragmentação da imagem, representando ônibus em vários ângulos, em enquadramento cinematográfico. O artista utiliza principalmente as cores primárias, em tons fortes. Como nota o crítico Paulo Venâncio Filho, a força das telas de Colares provém mais da sensação de impacto do que da sensação de velocidade.

Raymundo Colares reúne em suas obras tendências como o Construtivismo e a Arte Pop. Ele reconhece a relação com o Futurismo italiano na preocupação em representar o dinamismo e a velocidade da vida moderna. Utiliza o tema da interpenetração de ritmos visuais relacionados ao movimento de veículos em velocidade em uma grande cidade. Emprega tintas metálicas para representar carrocerias de ônibus, reconhecíveis pelo esquema de cores e números, usados também como marcas da sociedade industrial. Preenche totalmente as telas com esses signos, não deixando nenhuma área livre. O ser humano e a própria paisagem urbana estão ausentes de suas telas. Para alguns críticos, sua produção mantém afinidades com a obra do pintor americano Allan D'Arcangelo (1930-1998), ao aproximar geometria e organicidade e abstração e figura.

Tentativa de Ultrapassagem , s.d. 110 x 100 cm
Coleção João Sattamini/Comodante Museu de Arte Contemporânea da Prefeitura de Niterói
Reprodução fotográfica Sérgio Guerini 

Ônibus , 1968 - emulsão acrílica sobre tela -70 x 75 cm
Coleção Gilberto Chateaubriand
Reprodução fotográfica autoria desconhecida 

Ultrapassagem Pista Livre , 1968 - esmalte sintético sobre madeira - 160 x 160 cm
Coleção João Sattamini/Comodante Museu de Arte Contemporânea da Prefeitura de Niterói
Reprodução fotográfica Sérgio Guerini 

 Orgia , 1968 - esmalte sintético sobre madeira - 118 x 117 cm
Coleção João Sattamini/Comodante Museu de Arte Contemporânea da Prefeitura de Niterói
Reprodução fotográfica Sérgio Guerini 

 Ônibus , 1969 - pintura sobre metal - 83 x 228 cm
Coleção Gilberto Chateaubriand
Reprodução fotográfica autoria desconhecida 

 Sem Título , 1969 - tinta esmalte industrial sobre metal (alumínio) - 100 x 232 cm
Coleção João Sattamini/Comodante Museu de Arte Contemporânea da Prefeitura de Niterói
Reprodução fotográfica Sérgio Guerini 

 Fontes: 

Itaú Cultural - Raymundo Colares

Pitoresco - Raymundo Colares

José Medeiros - Fotografia

Biografia
José Araújo de Medeiros (Teresina PI 1921 - L'Aquila, Itália, 1990). Fotógrafo.

Da Amazônia ao Pantanal, José Medeiros, sempre mostrou preocupação com as manifestações culturais do homem interagindo com a natureza. Natural de Campo Grande – MS, desde os 16 anos se dedica ao registro de imagens, com formação em fotojornalismo. Publicou nos principais jornais e revistas nacionais e internacionais. Participou de mostras coletivas, individuais, prêmios e salões. José é um dos fotojornalistas mais bem sucedidos em MT, e referência estadual e nacional quando o assunto é fotografia, com o seu olhar diferenciado sempre em busca da perfeição.

 José Medeiros - Fotógrafo 

UM OLHAR SOBRE AS CULTURAS INDÍGENAS BRASILEIRAS
Medeiros se notabilizou pelo registro de várias facetas da vida brasileira. Foi ele, por exemplo, quem fez os primeiros registros de contatos com os índios realizados pelos irmãos Villas-Boas no Xingu e na Serra do Roncador. 

 Índio Xavante - Expedição Roncador (Xingu, Serra do Roncador MT) , 1949

matriz-negativo
Coleção Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Doação do autor

  Expedição Roncador, Xingú MT , 1949 - matriz-negativo
Coleção Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Doação do autor

 Primeiro Encontro Pacífico com a Tribo Kubenkrankein , 1957 - matriz-negativo
Coleção Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Doação do autor 

 

 Índio Kalapalo, Mato Grosso, c. de 1949

Instituto Moreira Salles

 Terra Indigena do Xingu-Aldeia Moygu-Povo Ikpeng.

Mutua Ikpeng quase pronto para festa Moyngo,
Terra Indígena Xingu Aldeia Moygu.

O NEGRO E A CULTURA AFRO-BRASILEIRA ATRAVÉS DA FOTOGRAFIA 
“Há alguns anos, tive a oportunidade de fotografar os rituais secretos de iniciação das filhas-de-santo, o que se fez pela primeira vez na história da imprensa brasileira.” 

José Medeiros

 

 Iniciação no Candomblé , 1957 - matriz-negativo
Coleção Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Doação do autor 

 

 

 

Fontes:
http://josemedeirosimagem.wordpress.com/
http://ims.uol.com.br/hs/josemedeiros/josemedeiros.html

Itaú Cultural

A importância da Arte nos dias de hoje

Sejam bem-vind@s! 

Segue abaixo o texto mencionado na nossa primeira aula. Por favor, leia todo o texto e escreva um texto de sua própria autoria, em folha separada, entre 20 e 30 linhas, sobre a importância da arte nos dias de hoje. Mencione no texto sua visão sobre a arte, sobre o que é arte para você e de que maneira a arte está presente em sua vida.

Entregue o seu texto na nossa próxima aula: 25/02/2013.

Um abraço! 

Profº Raphael  

 

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Por Eder Lima [www.itaucultural.org.br/bcodemidias/001594.pdf] 

Para entendermos a real importância da arte nos dias de hoje se faz necessário primeiramente revermos alguns conceitos sobre a arte e suas relações sociais e históricas, para que possamos nos posicionar frente a alguns problemas que inevitavelmente surgirão em face à complexidade do tema.

A arte, segundo alguns, nos remete a objetos consagrados pelo tempo e que se destinam a provocar sentimentos vários, dentre eles, um, difícil de precisar, o sentimento do belo. De acordo com Alfredo Bosi, esta resposta fere sem dúvida alguns aspectos importantes da obra de arte: A objetividade da obra quanto ser material e a subjetividade da mesma, ou seja, o efeito psicológico causado em seu receptor.

A civilização industrial tende a nos mostrar, em todas as coisas, possibilidades de consumo e fruição. Mesmo que a arte atual seja vista como simples mercadoria isto não deve impedir-nos de ver de forma um pouco mais abrangente as questões maiores da natureza e das funções da arte.

A arte tem representado desde a Pré-História uma atividade fundamental do ser humano. Atividade que, ao produzir objetos e suscitar certos estados psíquicos no receptor, não esgota absolutamente o seu sentido nessas operações. Estas decorrem de um processo totalizante, que as condiciona: o que os leva a sondar a arte enquanto modo específico de os homens entrarem em relação com o universo e consigo mesmos.

Funções da Arte

A razão de ser da arte nunca permanece inteiramente a mesma. A função da arte, numa sociedade em que a luta de classes se aguça, difere, em muitos aspectos, da função original da arte. No entanto, a despeito das situações sociais diferentes, há alguma coisa na arte que expressa uma verdade permanente. E é essa coisa que nos possibilita - nós que vivemos no século XXI - comovermo-nos com as pinturas pré-históricas das cavernas e com antiquíssimas canções.

As obras de arte, desde a Antiguidade até hoje, nem sempre tiveram a mesma função. Ora serviam para contar uma história, ora para rememorar um acontecimento importante, ora para despertar o sentimento religioso ou cívico. Foi só no final do século passado e início deste século que a obra de arte passou a ser considerada um objeto desvinculado desses interesses não-artísticos, um objeto propiciador de uma experiência estética por seus valores intrínsecos. Assim, dependendo do propósito e do tipo de interesse com que alguém se aproxima de uma obra de arte, podemos distiguir três funções principais para a arte. Uma função Pragmática ou Utilitária, outra Naturalista e ainda outra de caráter Formalista.

*Usa-se a função utilitária da arte na tentativa de se alcançar um fim não artístico, isto é, não se valoriza a arte por si só, mas como meio de se atingir uma outra finalidade. A exemplo disso temos a arte barroca na época da Contra-Reforma, a Arte Indígena e a Africana.

*Na função naturalista a obra é encarada como um espelho. Que reflete a realidade e nos remete diretamente a ela. Neste caso, a obra tem função social referencial de nos enviar para fora do mundo artístico e para dentro do mundo dos objetos. 

*E por último a função formalista que se ocupa da arte enquanto tal e por motivos que não são estranhos ao âmbito artístico. Há nessa função uma valorização da experiência estética, como um momento em que, pela percepção e pela intuição tem-se uma consciência intensificada do mundo.

Arte nos dias de hoje

A arte sempre esteve interagindo em cada época e se adaptando ao seu meio cultural, para pior ou melhor. Notadamente percebemos hoje, de forma nítida, a superação da arte em suas relações de sociabilidade.  A vemos aliada ao conhecimento tecnológico, à cultura digital. às políticas públicas como em suas aplicações em arte-educação e com isso a construção de uma identidade diversa e inclusiva.

Neste caso, temos a contribuição da arte nos resgates de valores culturais outrora perdidos, além de sua contribuição na abertura de novas frentes de relacionamentos transversais. 

A arte, em sua aventura e interação com o meio social se torna preponderante nos dias de hoje ao trazer consigo a perspectiva da criticidade num tempo de uniformidade de pensamento que, segundo Nilton Santos, "coisificou" nossos espíritos.

É importante que, com isto em mente, possamos insistir em seguir pelo difícil caminho da arte, de forma a estarmos aptos a contribuir para a reconstituição de nossas "auras" perdidas, sem incorrermos em erros tanto dos que defendem um formalismo puro, quanto dos que pregam um conteudismo engajado.

Estações do Metrô carioca são graffitadas por alunos de colégios públicos.

São cerca de cinco quilômetros de pintura que consumiram seis mil litros de tinta. As obras de arte nas estações da Linha dois do Metrô, contam um pouco da história dos bairros. A intenção é que a população se identifique com a arte reproduzida.

CLIQUE NO LINK ABAIXO E ASSISTA A REPORTAGEM NO RJTV:
ttp://globotv.globo.com/rede-globo/rjtv-2a-edicao/t/edicoes/v/muros-de-15-estacoes-do-metro-ganham-cores-com-desenhos-em-grafite/2216716/

Flávia Villela
Repórter da Agência Brasil
Rio de Janeiro – O grafite vai mudar o visual de 15 estações do metrô da capital fluminense. Os desenhos serão criados pelos finalistas da Copa Graffiti, concurso a ser realizado em outubro para alunos de três escolas da rede pública, localizadas nas imediações dessas estações do metrô.
Mais de 30 adolescentes participaram da oficina no Centro Integrado de Educação Pública Candeia, em Coelho Neto, zona norte, região com grande concentração de favelas e áreas carentes de investimentos econômicos e sociais.
Os adolescentes que se destacarem serão convidados a participar da pintura oficial do concurso. No final do trabalho será escolhido o melhor grafite, por meio de votação popular e de um júri especializado.
O grafiteiro profissional Airá Crespo, responsável pela oficina, com os Mc Grafiteiros Fael e Coé, explicou que as atividades são uma preparação para os jovens que vão participar do grafite das estações.
“Estamos fazendo uma introdução sobre a arte do grafite, ensinando técnicas de desenho, além da experimentação do uso de spray, para eles terem uma noção de como manusear essa ferramenta”, explicou o artista.
Outras oficinas estão previstas para os dias 13, na Escola Municipal Eurico Salles (Engenho da Rainha) e 20, na Escola Municipal General Osório (Acari/Fazenda Botafogo), também na zona norte.
A Copa Graffiti é promovida pela concessionária MetroRio e prevê que cada equipe faça levantamento de histórias do bairro de cada estação, para que projeto retrate personagens locais, características ou fatos marcantes de cada uma das regiões.
Crespo contou que a primeira oficina de grafite aconteceu no mês passado na Pavuna, na Escola Municipal Escultor Leão Velloso, e contou com a participação de mais de 40 adolescentes.
“Muito legal poder promover essa arte nas escolas e criar não apenas profissionais, mas também multiplicadores dessa ideia e dessa arte nas comunidades”, comentou o grafiteiro que há 13 anos trabalha com essa forma de expressão artística e espera que o grafite provoque uma transformação nesses alunos como fez com ele.
“Assim como eles [alunos], sou da zona norte, sem muitas opções culturais no meu bairro. O grafite promoveu uma mudança completa na minha vida, me introduziu no universo das artes e isso ampliou meus horizontes. Hoje tenho uma profissão que me realiza. Por isso, nossa expectativa é sensibilizar a galera através da arte para novas perspectivas”.
Edição: Beto Coura (10/09/2012)

Entrevista com o grafiteiro Marcos, que está grafitando o muro da Estação de metrô Maracanã. É uma ação do Metrô Rio chamada Copa Graffiti, onde as comunidades de várias estações vão grafitar os muros. Show de bola!

 
 
Fonte:
http://agenciabrasil.ebc.com.br/noticia/2012-09-10/estacoes-de-metro-no-rio-serao-grafitadas-por-alunos-de-escolas-publicas
http://globotv.globo.com/rede-globo/rjtv-2a-edicao/t/edicoes/v/muros-de-15-estacoes-do-metro-ganham-cores-com-desenhos-em-grafite/2216716/

Arte e Design

Design : do latim de + signare, e este de signum, "sinal", "símbolo", e em inglês, "projeto" e/ou "esboço" .
 

O design deve ser pensado em relação às artes aplicadas, isto é, nas diferentes modalidades da produção artística que se orientam para o mundo cotidiano, pela criação de objetos de uso corrente, e englobam parte da arquitetura, das artes decorativas, das artes gráficas etc.
Ele se beneficia de diversas artes, dialogando com elas para a criação de modelos e protótipos que estão na origem de ampla gama de produtos artísticos voltados para a vida comum: pôster, embalagem, capa de livros e revistas, moda, mobiliário, objetos utilitários, desenho industrial e outros.
E se insere no seio da sociedade industrial, fruto da íntima articulação instaurada entre arte, indústria e mercado.
Está vinculado ao desenvolvimento da industrialização e mecanização, que começou com a Revolução Industrial na Inglaterra (c.1770);
Envolve material passível de reprodução múltipla por meios mecânicos.
 

Do Artesanato à Arte Industrial

Os produtos industrializados dominam o ambiente que nos rodeia. Como a exatidão das máquinas tem uma precisão que a mão humana não pode imitar, a forma e a composição dos produtos industriais raramente revela qualquer indicação da participação e personalidade da pessoa que os faz.

•A história do design não se apresenta de uma forma única e uniforme nos diferentes países uma vez que as características socioeconômicas e culturais de cada lugar imprimiram uma personalidade distinta aos profissionais ligados a esta área. 

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IRMÃOS CAMPANA - Designers

Os irmãos Fernando Campana (1961) e Humberto Campana (1953) são designers brasileiros conhecidos no mundo todo. Eles já inventaram muitos móveis utilizando materiais inusitados. Veja a baixo um vídeo (SESCTV) onde eles falam de seus trabalhos: 

 

Documentário (SESCTV): 

Irmãos Campana - do Design à Arte

Alguns trabalhos dos Irmãos Campana: